El teatro y el drama en la antigua Grecia tomaron forma aproximadamente en el siglo V a. C., con Sófocles, el gran escritor de tragedias. En sus obras y en las del mismo género, se representaban y glorificaban héroes y los ideales de vida.
Se creía que el hombre debía vivir para el honor y la fama, su acción era valiente y gloriosa y su vida culminaría en una muerte grande y noble. Originalmente, el reconocimiento del héroe fue creado por comportamientos egoístas y poca idea de servicio a los demás.
A medida que los griegos crecieron hacia las ciudades-estado y la colonización, el destino y la ambición del héroe se convirtió en ganar honor sirviendo a su ciudad. La segunda característica importante del mundo griego primitivo fue lo sobrenatural.
Los dos mundos no estaban separados, ya que los dioses vivían en el mismo mundo que los hombres e interferían en las vidas de los hombres cuando querían hacerlo. Fueron los dioses quienes enviaron sufrimiento y maldad a los hombres.
En las obras de Sófocles, los dioses provocaron la caída del héroe debido a un defecto trágico en su carácter. En la tragedia griega, el sufrimiento traía consigo el conocimiento de los asuntos mundanos y del individuo. Aristóteles intentó explicar cómo un público podía observar acontecimientos trágicos y aun así tener una experiencia placentera.
Aristóteles, investigando las obras de los escritores de tragedias griegas, Esquilo, Eurípides y Sófocles (cuyo Edipo Rey consideraba la mejor de todas las tragedias griegas), llegó a su definición de tragedia. Esta explicación tiene una profunda influencia durante más de veinte siglos en quienes escribieron tragedias, sobre todo en Shakespeare.
El análisis de la tragedia por parte de Aristóteles comenzó con una descripción del efecto que dicha obra tenía en la audiencia como una “catarsis” o purga de las emociones. Decidió que la catarsis era la purga de dos emociones específicas: la lástima y el miedo. El héroe ha cometido un error por ignorancia, no por maldad o corrupción. Aristóteles utilizó la palabra “hamartia”, que es el “defecto trágico” u ofensa cometida por ignorancia.
Por ejemplo, Edipo ignora su verdadero origen cuando comete su acto fatal. Edipo Rey es una de las historias de un mito de tres partes llamado ciclo tebio. La estructura de casi todas las tragedias griegas es similar a la de Edipo Rey. Dichas obras se dividen en cinco partes, el prólogo o introducción, los “Prados” o entrada del coro, los cuatro episodios o actos separados entre sí por “stasimons” o odas corales, y los “éxodos”, la acción posterior a la última. estasimon.
Estas odas son poesía lírica, líneas cantadas o cantadas mientras el coro se mueve rítmicamente por la orquesta. Las líneas que acompañaban el movimiento del coro en una dirección se llamaban “estrofa”, el movimiento de retorno iba acompañado de líneas llamadas “antiestrofa”. La oda coral puede contener más de una estrofa o antiestrofa.
La tragedia griega se originó en honor al dios del vino, Dioniso, el dios patrón de la tragedia. La actuación tuvo lugar en un teatro al aire libre. La palabra tragedia se deriva del término «tragedia» o «canto de cabra», llamado así por las pieles de cabra que llevaba el coro durante la actuación. Las tramas procedían de leyendas de la Edad Heroica. La tragedia surgió de una letra coral, como decía Aristóteles, la tragedia se basa en gran medida en la piedad y el esplendor de la vida. Se representaban obras de teatro en festivales dramáticos, siendo los dos principales la Fiesta del Lagar en enero y la Ciudad Dionysia a finales de marzo.
El Acto comenzó con el desfile de coros y actores de los tres poetas concursantes. Luego, un heraldo anunció los nombres de los poetas y los títulos de sus obras.
Es probable que ese día la imagen de Dioniso fuera llevada en procesión desde su templo junto al teatro hasta un punto cercano al camino que una vez había tomado para llegar a Atenas desde el norte, luego fue llevada de regreso a la luz de las antorchas, en medio de una multitud. celebración del carnaval, hasta el propio teatro, donde su sacerdote ocupaba el asiento central de honor durante las representaciones.
El primer día del festival hubo concursos entre los coros, cinco de hombres y cinco de niños. Cada coro estaba formado por cincuenta hombres o niños. Durante los tres días siguientes se representó cada mañana una “tetralogía trágica” (grupo formado por cuatro piezas, una trilogía seguida de un drama satírico). Esto se compara con la costumbre isabelina de seguir una tragedia con una giga. Durante las Guerras del Peloponeso, a esto le seguía una comedia cada tarde.
El padre del drama fue Tesis de Atenas, en el año 535 aC, quien creó al primer actor. El actor actuaba en intervalos entre el baile del coro y conversaba en ocasiones con el líder del coro. La tragedia se desarrolló aún más cuando nuevos mitos pasaron a formar parte de la actuación, cambiando la naturaleza del coro a un grupo apropiado para la historia individual.
Esquilo añadió un segundo actor y Sófocles añadió un tercer actor, y el número del coro se fijó en quince. La parte del coro se fue reduciendo gradualmente y el diálogo de los actores adquirió cada vez más importancia. La palabra «coro» significaba «baile o «campo de baile», que fue como la danza evolucionó hasta convertirse en drama. Los miembros del coro eran personajes de la obra que comentaban la acción.
Atrajeron al público a la obra y reflejaron sus reacciones. Las obras griegas se representaban en teatros al aire libre. Se representaron escenas nocturnas incluso a la luz del sol. El área frente a los escenarios se llamaba “orquesta”, el área en la que el coro se movía y bailaba. No hubo telón y la obra se presentó como un todo, sin divisiones de actos ni escenas.
Había un edificio al fondo del escenario llamado skene, que representaba el frente de un palacio o templo. Contenía una puerta central y otras dos entradas al escenario, una a la izquierda y otra a la derecha, que representaban el campo y la ciudad. Se realizaron sacrificios en el altar de Dioniso y el coro actuó en la orquesta, que rodeaba el altar.
El theatron, de donde deriva la palabra «teatro», era el lugar donde se sentaba el público, construido sobre una ladera ahuecada. Los asientos de honor, que se encontraban al frente y en el centro del teatro, eran para funcionarios públicos y sacerdotes. La capacidad del teatro era de unas 17.000 personas.
El público de unas 14.000 personas era animado, ruidoso, emotivo y desenfrenado. Comieron, aplaudieron, vitorearon, silbaron y patearon sus asientos de madera con disgusto. Se sabía que estallaban pequeños disturbios si el público no estaba satisfecho. A las mujeres se les permitía ser espectadoras de tragedias y probablemente incluso de comedias.
La entrada era gratuita o nominal y el estado pagaba a los pobres. Los dramaturgos áticos, como los isabelinos, tenían un público de todas las clases. Debido al tamaño del público, los actores también debieron haber estado físicamente alejados.
La sensación de lejanía puede haber sido acentuada por las figuras esculturales y enmascaradas de los actores cuya actuación dependía en gran medida de los gestos de voz y el agrupamiento. Como sólo había tres actores, los mismos hombres en la misma obra tenían que interpretar papeles dobles. Al principio, los propios dramaturgos actuaron como Shakespeare.
Poco a poco la actuación se fue profesionalizando. La escenografía simple comenzó con Sófocles, pero los cambios de escena eran raros y las propiedades escénicas también eran raras, como un altar ocasional, una tumba o una imagen de dioses. Se utilizaba maquinaria para relámpagos o truenos o para elevar a personas celestiales desde el cielo y hacia atrás, o para revelar el interior del edificio del escenario.
Este se llamaba “deus ex machina”, que significa dios de la máquina, y era un dispositivo técnico que utilizaba una grúa metálica en lo alto del edificio skene, que contenía los vestidores, de la que se suspendía un muñeco que representaba a un dios. Eurípides utilizó por primera vez este recurso para dar una conclusión milagrosa a una tragedia.
En la literatura romántica posterior, este recurso ya no se utilizó y los milagros que proporcionaba fueron reemplazados por la aparición repentina de un tío rico, el descubrimiento de nuevos testamentos o de niños cambiados al nacer.
Muchas características de las obras griegas estaban ligadas a la violencia. Por lo tanto, era una regla que los actos de violencia debían tener lugar fuera del escenario. Esto se trasladó al teatro isabelino, que evitó los horrores de los hombres desollados vivos o de los ojos de Glouster sacados a la vista del público (El Rey Lear).
Cuando Medea entró a la casa para asesinar a sus hijos, el coro se quedó afuera, cantando angustiado, para representar los sentimientos que tenía el coro y sobre los que no podía actuar debido a su existencia metafísica. El uso de la música en el teatro comenzó de manera muy sencilla consistiendo en un único flautista que acompañaba al coro. Hacia finales de siglo, Eurípides desarrolló el canto solista más complicado.
Entonces podrían producirse acontecimientos espectaculares a gran escala, con multitudes en el escenario y carros, especialmente en las obras de Esquilo. La comedia griega se derivó de dos fuentes diferentes, siendo la más conocida el elemento coral que incluía ceremonias para estimular la fertilidad en el festival de Dioniso o en una fiesta obscena de borrachos en su honor.
El término comedia en realidad proviene de “komos”, que significa canción de juerga. La segunda fuente de la comedia griega fue la de los «mimos» sicilianos, que realizaban actuaciones muy groseras en las que hacían alusiones satíricas a los miembros del público mientras improvisaban sus actuaciones. Al principio, la comedia era franca, indecente y sexual.
Las tramas estaban estructuradas de manera vaga y descuidada e incluían farsas generales y bufonadas. Los artistas eran groseros y obscenos mientras usaban la sátira para representar importantes cuestiones morales, sociales y políticas contemporáneas de la vida ateniense. La comedia incluía una amplia sátira de personajes conocidos de la época. A lo largo del período de la comedia en Grecia, hubo tres épocas distintivas de comedias a medida que avanzaba el género.
La comedia antigua, que duró aproximadamente entre el 450 y el 400 a. C., se representó en los festivales de Dioniso después de las tragedias. Habría concursos entre tres poetas, cada uno de los cuales exhibiría una comedia. Cada grupo de comedia estaría formado por uno o dos actores y un coro de veinticuatro. Los actores llevaban máscaras y “soccus”, o sandalias, y el coro a menudo vestía trajes fantásticos.
Las comedias se construían en cinco partes, el prólogo, donde el personaje principal concebía la “idea feliz”, los parodos o entrada del coro, el agon, un debate dramatizado entre el proponente y el opositor de la “idea feliz” donde se encontraba la oposición. siempre derrotado, la parábasis, la salida del coro donde se dirigían directamente al público y ventilaban las opiniones del poeta sobre casi cualquier tema que el poeta quisiera expresar, y los episodios donde la “feliz idea” se llevaba a la práctica.
Aristóteles criticó mucho la comedia, diciendo que era simplemente una imitación ridícula de tipos inferiores de hombres con defectos eminentes enfatizados para el placer del público, como una máscara usada para mostrar deformidad, o que el hombre hiciera algo como resbalar y caer sobre un plátano. cáscara. Aristófanes, un poeta cómico del período de la comedia antigua, escribió comedias que llegaron a representar la comedia antigua, ya que su estilo fue ampliamente copiado por otros poetas. En sus obras más famosas, utilizó la sátira dramática sobre algunos de los filósofos y poetas más famosos de la época.
En “Las Ranas” ridiculizó a Eurípides y en “Las Nubes” se burló de Sócrates. Sus obras siguieron todos los principios básicos de la comedia antigua, pero añadió una faceta de inteligencia y profundidad de sentimiento a sus…